15 semplici regole di sceneggiatura che dovresti conoscere

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Ci sono diverse regole di sceneggiatura che sarebbe bene padroneggiare. Regole riguardanti la storia, la struttura e la caratterizzazione. Semplici regole, ma importanti. Forse non ti renderanno un narratore cinematografico migliore, non ti catapulteranno in cima tra le star di Hollywood. Tuttavia, sicuramente renderanno le tue sceneggiature più professionali, snelle e più facili da leggere.

Ricorda e implementa queste semplici regole e passerai davanti al 95% delle sceneggiature e degli sceneggiatori là fuori.

Scrivere una sceneggiatura, semplici regole

#1. Copertine semplici

Nessuno vuole troppe informazioni sulla copertina. Siamo nel 21° secolo. Nessuno han bisogno del tuo indirizzo postale, numero di telefono di casa, numero di cellulare e numero del cercapersone.

È probabile che la tua richiesta sia stata inviata via e-mail. Se vogliono le tue informazioni di contatto oltre all’indirizzo e-mail, te le chiederanno via e-mail.

Il copyright e i numeri di registrazione WGA vanno bene, ma non sono necessari.

Hai quei numeri nei tuoi registri e nell’improbabile caso che il contenuto della tua sceneggiatura venga rubato e prodotto da un altro, le tue registrazioni saranno più che sufficienti.

Altri elementi non necessari sono i numeri delle bozze, le logline, le suddivisioni dei personaggi o qualsiasi altra informazione superflua.

Tutto ciò di cui ha bisogno nella copertina è il titolo della sceneggiatura e chi l’ha scritta.

#2. Usa solo FADE IN e FADE OUT all'inizio e alla fine del tuo script

Troppi sceneggiatori alle prime armi usano le transizioni FADE IN e FADE OUT, dissolvenza in entrata e dissolvenza in uscita, come indicazioni stilistiche indirizzate ai reparti di fotografia e montaggio.

Non è a questo che servono quelle transizioni. FADE IN è il primo testo sulla prima riga del tuo script (l’inizio).

FADE OUT – o FADE TO BLACK – è per la fine dello script.

Scrivere THE END al posto di uno dei due funzionerà ugualmente.

DISSOLVE TO è la giusta transizione da usare all’interno dello script, se necessario.

#3. Le intestazioni di scena dovrebbero avere solo tre informazioni

INT/EXT – GIORNO/NOTTE

 

Queste sono le scelte generali. Esempi specifici includono:

 

INT. AUTO – GIORNO

 

EST. CASA – NOTTE

 

Gli interni sono costituiti da qualsiasi luogo situato all’interno di un edificio, struttura, veicolo, ecc.

Gli esterni sono fuori. Quindi, se il tuo personaggio è in un’aula di scuola e viene chiamato in corridoio da un amico, non si scrive EXT. CLASSE – GIORNO quando si trova nell’aula.

Piuttosto, si crea un nuovo luogo scrivendo INT. CORRIDOIO – GIORNO.

Perché? Perché il corridoio è ancora all’interno della scuola.

Se il tuo personaggio è dentro una macchina, che ovviamente sta guidando fuori, è una scena interna, non una scena esterna.

 

Alcuni sceneggiatori aggiungono cose come MOVING (INT. CAR – MOVING – DAY). La descrizione della scena (indicata come azione all’interno del software di sceneggiatura) dovrebbe essere usata per trasmettere che stanno guidando.

 

Alcune altre aggiunte includono SAME o LATER al posto di GIORNO o NOTTE. SAME comunica che la scena si svolge nello stesso momento della scena precedente, come nel caso di conversazioni telefoniche, tagli avanti e indietro tra sequenze d’azione, ecc. LATER comunica che siamo nello stesso luogo stabilito nella scena precedente, ma in un momento successivo.

 

Termini come ALBA o TRAMONTO al posto di GIORNO o NOTTE dovrebbero essere usati solo se è davvero fondamentale per la storia.

GIORNO o NOTTE sono tutto ciò di cui abbiamo bisogno. La descrizione della scena può essere usata per trasmettere altre informazioni come l’ora del giorno.

 

Infine, le intestazioni di scena non dovrebbero contenere date o orari come EXT. TOMBSTONE – 1850 – GIORNO o INT. CAMERA DA LETTO – 5:56 AM – GIORNO.

 

Il tempo e le date dovrebbero essere comunicati all’interno della descrizione della scena sotto l’intestazione, preferibilmente nella prima frase. Troppi sceneggiatori la usano la linea per comunicare data e ora.

Regole per scrivere una sceneggiatura per lo schermo

#4. Poche o nessuna indicazione di fotografia

Cose come CARRELLATA o PANORAMICA, e altre indicazioni alla macchina da presa, non hanno posto in uno script.

Gli sceneggiatori spesso leggono copioni diretti da autori come Quentin Tarantino, i fratelli Coen e Paul Thomas Anderson. Sicuramente vedrete le indicazioni della macchina da presa in questi tipi di script.

Se stai leggendo le bozze di ripresa che sono state pubblicate o condivise, le indicazioni della macchina da presa potrebbero essere anche lì. Questo non significa che tu dovresti includerle nella tua sceneggiatura.

Molti diranno di includerle solo se sono fondamentali per la storia, ma tu non dovresti includerle affatto. Sei lo scrittore, non il regista. A meno che tu non sia anche il regista, allora non importa.

#5. Il dialogo non segue mai l’intestazione della scena

Un altro errore comune si verifica quando gli sceneggiatori scrivono la loro l’intestazione del luogo e poi introducono subito il dialogo e i nomi dei personaggi che lo accompagnano.

Questo non dovrebbe mai accadere. Ogni volta che ci si sposta in un altro luogo, ci deve essere almeno una riga di descrizione della scena tra la linea di attacco/intestazione del luogo e il dialogo (e i nomi dei personaggi che lo accompagnano).

#6. Tutti i nomi dei nuovi personaggi importanti devono essere in MAIUSCOLO la prima volta che appaiono

Quando appare un nuovo personaggio, bisogna indicare al lettore la sua prima apparizione mettendo il suo nome in MAIUSCOLO la prima volta.

Questo è generalmente valido solo per i personaggi che hanno un dialogo o sono prevalenti nella storia. Un passante che non ha una battuta e non ha niente a che fare con la storia (probabilmente appare solo in una scena), non ha bisogno di essere presentato in quel modo.

Inoltre, il primo nome che usi per un personaggio deve essere il nome che usi per tutta la sceneggiatura. Non puoi presentarlo come ANGELO e poi, una volta che viene introdotto o menzionato per nome nel dialogo, cambiarlo in PAOLO. Presentatelo come PAOLO fin dall’inizio.

Anche se questo può rendere difficili eventuali momenti di rivelazione all’interno della sceneggiatura, fate del vostro meglio per impostare queste rivelazioni all’interno della descrizione della scena.

#7. La descrizione della scena deve essere visiva, non descrittiva

È un imbroglio comune per gli sceneggiatori usare la descrizione della scena per spiegare elementi della storia, la storia dei personaggi e il background.

Le sceneggiature sono un mezzo visivo. Hai il compito di raccontare la storia in modo cinematografico attraverso azioni visive, reazioni e dialoghi udibili. Se non sarà sullo schermo, non puoi includerlo nella tua sceneggiatura, che è un modello per comunicare al regista e al direttore della fotografia ciò che deve essere visto e sentito sullo schermo.

Così, non si può descrivere un personaggio come “un piantagrane che è stato in prigione più volte ed è un tossicodipendente in via di recupero”. Dovreste mostrare scene di quel personaggio in prigione, che va alle riunioni del gruppo di sostegno per i tossicodipendenti, o includere tutte queste informazioni nel dialogo.

Se non verrà mostrato sullo schermo, non puoi includerlo nella sceneggiatura. E se hai bisogno di mostrarlo sullo schermo, devi farlo attraverso le scene e il formato che comunica quelle scene – intestazioni di linee/luoghi, descrizioni di scene, nomi di personaggi e dialoghi.

Scrivere una sceneggiatura, semplici regole

#8. Il dialogo non è uno spiegone

L’esposizione è definita come “una descrizione e spiegazione completa di un’idea o di una teoria”.

Nel contesto della sceneggiatura, è un’informazione che viene comunicata attraverso il dialogo che spiega o ciò che è già stato descritto all’interno della sceneggiatura (ridondante) o ciò che è chiaramente accaduto fuori dallo schermo.

 

Il dialogo espositivo è il peggior tipo di dialogo – e spesso la più grande stampella a cui uno scrittore si aggrappa per spiegare elementi che non hanno mostrato sullo schermo nelle loro scene.

Sì, l’esposizione a volte è necessaria, ma evitatela ogni volta che potete. Punta al vecchio motto di “Show, Don’t Tell”.

#9. Le transizioni CUT TO sono inutili nelle sceneggiature

Dimenticate quello che avete visto nelle sceneggiature che avete letto dai vecchi classici. La transizione CUT TO tra le scene è eccessivamente ridondante perché una volta che ci spostiamo da una nuova scena o luogo la successiva, ovviamente ci troviamo davanti ad un CUT TO a quella successiva (con piccole eccezioni).

Non c’è bisogno di sprecare spazio importante per la sceneggiatura scrivendo CUT TO tra le scene.

#10. Non è il tuo lavoro dire agli attori dove devono improvvisare

Un fastidio comune nelle sceneggiature si verifica quando lo sceneggiatore usa la descrizione della scena per dirci che i personaggi sono impegnati in chiacchiere, stanno parlando al telefono, o che gli attori che interpretano quei personaggi hanno il compito di improvvisare.

Di nuovo, tutto all’interno della sceneggiatura deve comunicare ciò che verrà visto o sentito sullo schermo – quindi, in questo caso, abbiamo bisogno di sapere cosa stanno dicendo quei personaggi.

Se un personaggio è sullo sfondo a parlare al telefono e non deve essere sentito, è necessario comunicarlo nella descrizione della scena.

#11. Usate "Vediamo" poco e bene

Quando stai scrivendo la descrizione della scena, va bene usare “vediamo” come un modo per comunicare un’immagine o un’azione di tanto in tanto.

Quando è nella maggior parte dei blocchi di descrizione della scena, è prepotente.

#12. Meno è più

Il vero testamento di uno sceneggiatore esperto è la capacità di trasmettere stile, atmosfera e sostanza con il minor numero possibile di descrizioni della scena – e lo stesso vale anche per il dialogo.

Less Is More è un mantra che tutti gli sceneggiatori devono abbracciare perché serve alla sceneggiatura molto meglio della sovrascrittura, che descrive troppa atmosfera e troppe informazioni che la mente del lettore deve elaborare mentre cerca di visualizzare la tua storia cinematografica.

Nelle sceneggiature, il dettaglio è veleno. Il film è una forma d’arte collaborativa. Il regista, il direttore della fotografia, lo scenografo, il supervisore del trucco, il supervisore degli effetti speciali e tanti altri decidono i dettagli.

Il tuo compito è quello di trasmettere l’immagine a grandi linee il più rapidamente possibile in modo che il lettore possa visualizzarla rapidamente e passare all’immagine successiva che dovrebbe vedere.

 

#13. Non è compito tuo creare la colonna sonora del film

Potresti sentire il bisogno di creare atmosfera includendo la selezione di canzoni in tutto il tuo script – è ora di fermare questa abitudine ADESSO.

Prima di tutto, la tua inclusione di una particolare canzone nel tuo script sta dicendo che è funzionale alla storia. Ma cosa succede se lo studio che produce la tua sceneggiatura non può ottenere i diritti della canzone, perché magari un altro studio la possiede o il detentore dei diritti non vuole che sia usata?

In secondo luogo, se è così importante per la storia da includerla nella sceneggiatura, cosa succede se il lettore della sceneggiatura non conosce la canzone o il gruppo? È una disconnessione istantanea!

Invece, basta usare la descrizione della scena per spiegare che tipo di musica sta ascoltando il tuo personaggio (Grunge, Classic Rock, Indie Rock, Hip Hop, ecc.).

Se il tuo personaggio non sta ascoltando musica e hai semplicemente incluso la canzone come qualcosa da suonare sopra la scena, non è compito tuo.

#14. Vocabolario da sapientoni

Usa parole semplici e chiare. Ricorda, il tuo lavoro è quello di trasmettere immagini, suoni e dialoghi nel modo più semplice possibile. I paroloni che nessuno usa veramente non faranno altro che rallentare la lettura della tua sceneggiatura.

#15. Non commercializzare la tua sceneggiatura alle persone sbagliate

Quando tutto è scritto e fatto, e sei pronto a far uscire la tua sceneggiatura, non cercare i migliori agenti, manager e produttori per interrogarli. Devi scegliere molto saggiamente a chi ti rivolgi.

Non porterai il tuo thriller erotico alla Disney. Non commercializzerai il tuo dramma d’amore d’epoca alla casa di produzione di Michael Bay.

Utilizza IMDBPro per trovare film simili al tuo e poi scopri chi li sta producendo. Poi scopri chi li ha scritti e chi rappresenta quegli scrittori.

Il marketing generico è un errore da principianti. Rivolgiti a persone e compagnie specifiche per copioni specifici. E prova a non commettere questi altri errori quando scrivi il tuo film.

Regola bonus! Non scrivere sequel, reboot o remake di film già prodotti

Non possiedi i diritti. Gli studios e i detentori dei diritti non li leggeranno perché affideranno la loro proprietà intellettuale solo a sceneggiatori affermati.

Se lo fai per divertimento – fan fiction – è una cosa. Scriverle nella speranza che lo studio veda la tua “brillante” interpretazione di Batman, Superman o Star Wars è una perdita di tempo.

Segui queste semplici regole e consigli di sceneggiatura e ti troverai in una buona posizione rispetto alla maggior parte dei lettori di sceneggiature, con una migliore possibilità di realizzare i tuoi sogni di sceneggiatore.

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